AR-T

Artnatomía

2009-04-23T00:24:00.012-03:00

Esto es impresionante, a mi me está sirviendo bastante para cuando me cuesta hacer un gesto, a veces lograr que salga natural una gesticulación precisa se me hace algo difícil.

Esta utilidad fue creada por Victoria Contreras Flores para el aprendizaje o la enseñanza en el estudio de las Bellas Artes, una herramienta rápida mediante recursos digitales (animación asistida e interactividad) que brinda mayor facilidad a la hora de crear un rostro.

Contiene controles de opacidad, para visualizar por medio de diferentes grados de transparencia tanto en la calavera como en los músculos de la cara.

Van a descubrir que hay muchos gestos para copiar al papel, pueden crear la expresión que deseen, tristeza, miedo, sonrisa, etc. No se lo pierdan, pueden descargar el programa, saber cómo, por quién y para qué fue creado.
Vale la pena.

ARTNATOMIA
Base Anatómica del Gesto Facial
Autora: Victoria Contreras Flores

Las flores en el Arte Oriental

2009-04-05T00:10:00.008-03:00

La pintura de flores, pájaros y animales tiene su esplendor en China durante el llamado período Song, entre los siglos XI y XIII, al ser reconocida la condición social del artista, que pasa de ser visto como un artesano a ser considerado un pintor "cultivado".

Los primeros florales chinos ilustraron textos poéticos, que más tarde se transformarían en una disciplina artística, un ejercicio estético destinado a captar el espíritu de las flores.
Nació entonces, la expresión de una cultura espiritual.

Obra de Matsumura Keibun (Japón)

Para lograr estos deseos espirituales había que pasar por un rígido aprendizaje para adiestrar los movimientos del pincel, imprescindible para darle a las obras la sensación de vida, crecimiento y movimiento. Las flores no siempre aparecían solas, las realizaban acompañadas de pájaros o insectos.

Obra de Chao Chi (China)

Características:

Simplicidad de las composiciones
Aunsencia de artificios y elementos superfluos
Conocimientos de los efectos de colores que crea el pincel

Donde mejor se aprecia la habilidad de los pintores orientales para sugerir forma y color es en las pinturas monocromas con tinta china.
El arte de la pintura con tinta, que en Japón se llama Sumi, depende sí o sí de los efectos de los tonos y de la precisión caligráfica con el pincel.

Obra de Tani Buncho (Japón)

Importante destacar que los artistas orientales fueron capaces de darles a las flores un gran sentido de elegancia, simplicidad, frescura y delicadeza. Una pintura dominada de la caligrafía y la mancha lejos de la naturalidad de las pinturas europeas.

En Francia le dicen arte digital chinesco

2009-03-23T00:29:00.007-03:00

Entrando a este link pueden jugar con las imágenes, hagan click cuando quieran que se termine una imagen para pasar a otra y suban el volumen.

Los oficios artísticos

2008-10-29T11:25:00.010-03:00

Durante la Edad Media, cuando ser artista tenía un carácter mucho más artesanal que en la actualidad, la producción artística solía clasificarse según sus oficios; había orfebres carpinteros, tintoreros, grabadores, pintores, ceramistas, broncistas, etc.

Durante ese período el artista pasa de la dependencia del taller gremial medieval hacia una formación con fundamentos intelectuales que traerá consigo la llegada de las escuelas de arte y de las academias. Se culpó a la llegada del Renacimiento de esta escisión entre el oficio y el arte, del desplazamiento entre lo puramente manual a lo intelectual.

-Es entonces cuando el arte pasa a considerarse como una ciencia suprema digna de figurar entre las grandes disciplinas clásicas (filosofía, teología, arquitectura...), y se unifica arte, ciencia y técnica bajo un concepto supremo.-

Luis XIV de Francia visita el taller de la familia de tintoreros
Gobelin (Museo del Louvre)

Alberti en sus escritos de arquitectura ya hizo mención de la diferenciación entre las tres grandes disciplinas de las bellas artes: arquitectura, escultura y pintura. Estas serían consideradas artes mayores, mientras que el resto de actividades, como grabado, dibujo, cerámica o acuarela serían llamadas artes menores.

Pero a pesar del aparente triunfo del intelecto sobre el oficio, el artista renacentista también tuvo que formarse y aprender las técnicas pictóricas en los talleres de los grandes maestros. Acudía a ellos para aprender el oficio, la preparación de los colores, las normas de la perspectiva, los sistemas compositivos y el tratamiento e imprimación del soporte,

Así hablaba Cennino Cennini, en Libro de arte, de lo que tenía que aprender un joven artista del s. XIV:

"Acudir al taller de un maestro que conozca todos los elementos inherentes a nuestro arte, ocuparse de moler los colores, aprender a moler las colas y el yeso, hacer relieves, dorar y granear durante un período de seis años. Luego practicar la técnica de colorear, aplicar mordientes, aprender a trabajar sobre muro durante otros seis años, siempre dibujando, sin desmayar nunca, ni en días de fiesta ni en días laborales, y así, familiarizándose con el uso, se adquirirá una buena práctica."

El Taller del artista (Museo del Louvre) de Gustave Courbet.
El artista, rodeado de personajes intelectuales, en representación de esa ansia de hermanar la literatura, la filosofía y la música con el arte.

Todo artista debe también ser un buen artesano, debe aprender a utilizar los materiales. Un buen método es a la antigua usanza, elaborar nuestros propios colores y nuestras propias mezclas tal cual como lo hacían en la Edad Media, eso sería a partir de los pigmentos en polvo y aglutinantes. Trabajar así, de manera artesanal, nos permitirá estudiar su composición y comprender cómo reaccionan y de qué manera responden al mezclarse.

El círculo cromático

2008-08-29T16:06:00.008-03:00

Uno de los referentes más importantes para el artista es el círculo cromático, esquema basado en los tres colores primarios y sus derivados. Recuerdo que cuando nos pedían este tipo de trabajos en la escuela muy pocos querían hacerlo, a mí me encantaba, en mi mesa y escuchando música me lo pasaba los fines de semana terminando estos ejercicios para la semana entrante.

Para los que recién empiezan en la pintura les aconsejo que realicen el ejercicio de elaborar su propio círculo cromático.

Dividan un círculo en doce porciones.
Tomen sólo tres colores a la acuarela:

azul claro

carmín

amarillo

A partir de los colores primarios que situarán formando un triángulo, traten de obtener los secundarios mezclando los primarios por parejas y los terciarios mezclando un primario con un secundario. Si no se entiende chilflen.

Aquí les muestro un círculo cromático con los tres pilares básicos: los colores primarios [P] que mezclados por parejas dan los colores secundarios [S], que a su vez, mezclados por parejas con los primarios dan los colores terciarios [T].

Este círculo no es otra cosa que una ordenación de los colores.
Y como verán los colores primarios se comportan como los tres ejes fundamentales necesarios para el equilibrio de los colores restantes.

Desde mediados del siglo pasado los tratamientos de pintura ya incorporan las ruedas de color o círculos cromáticos como referencia teórica para los artistas.

Espero que les sirva, otro dato más.

Gabriel Callico -Tatuador

2008-08-25T15:29:00.007-03:00

Callico es uruguayo, aparte de haber sido uno de los pioneros del tatuaje en Uruguay (antes de la tv por cable, internet, etc) es un artista que quiso demostrar que no sólo se hacían tatuajes los drogadictos ni los presos, que si tenías deseos de tener un tatuaje en tu cuerpo nadie debía discriminarte por ello. Era tu elección.
Gabriel Callico recorrió algunas partes del mundo mostrando su arte.

"La lucha nunca fue fácil en Uruguay ya que las cabezas se fugan constantemente y nuestra cultura pierde diversidad, de mi generación de tatuadores sólo quedamos dos o tres. Es tentador llevar este oficio a otras tierras donde uno es mejor pago y a veces reconocido..."

Vean este video que él preparó haciendo un retrato de Carlos Gardel.

Galería, pinturas, body piercing, cuidados del tatuaje, videos.

Pintar como hobby

2008-08-24T21:32:00.013-03:00

Sir Winston Churchill, el famoso político inglés, al dejar por allá en 1995 el Almirantazgo ya que había quedado como pescado fuera del mar, escribió un libro sobre pintura: Las pinturas como pasatiempo.

“Para ser realmente feliz y estar realmente sano es preciso tener dos o tres auténticos hobbys absolutamente diferentes del quehacer diario.

“El primero de estos hobbies puede ser la lectura, pero lo mejor que usted puede hacer en sus ratos libres es pintar.”

Pintar para Churchill, según Tristán la Rosa, fue el quehacer más importante de cuantos, aparte la política, ocuparon su existencia.
Fue entonces cuando, al ver una caja de pinturas a la acuarela de sus hijos, pensó que podía pintar. Y así lo hizo, con verdadero éxito, hasta el final de sus días.

Pintar en sus ratos libres es lo que les recomiendo. Si pintan seguido van a ver muchos más cambios, van a agilizar más rápido el movimiento del pincel, lápiz o la herramienta que usen. No tiren sus dibujos, úsenlos para ver después de un tiempo de qué manera fueron progresando, mis profesores no dejaban que jamás arrojásemos trabajos nuestros a la basura.

Todas las mañanas Van Gogh salía a las seis de la mañana de su casa amarilla, en Arles, cargado hasta el tope con el caballete, la caja de pinturas y el taburete. Y sin descanso erraba por los alrededores buscando los motivos que satisfacieran su afán creador. “Es la emoción de estar creando lo que guía mi mano, de trabajar sin notar que estás trabajando. Y cuando a veces vez que las pinceladas surgen y se enlazan como las palabras en una conversación… entonces la emoción es tan fuerte que no se puede comparar con nada.”

Pinten en sus ratos libres, siempre que puedan, en algún momento las pinceladas enlazarán unas con otras y sentirán esa emoción incomparable, difícil de explicar, pinten. Cuando se dejen llevar por la pasión a lo que están haciendo, lo que van viendo que cambia de matices delante de sus ojos, su mano pintará sola y ustedes se olvidarán de todo lo que suceda alrededor.

Antonio Capel

2008-08-13T22:05:00.005-03:00

Nacido en Marruecos en 1960 y desde 1961 reside en Palencia-España, o sea... que es español.
Un gran artista, sino compruébenlo por ustedes mismos, no sé si ya lo conocerán o jamás supieron de él eso no importa, lo que vale es disfrutar su obras, les juro que no me canso de observar sus trabajos que son magníficos, impresionantes, inigualables.

Un genio como pocos, me impresiona.

Su biografía

Antonio Capel

XI Bienal de Arte Sacro

2008-06-30T19:36:00.007-03:00

Me llegó por primera vez por e-mail, cada año recibo en casa una carta de ellos, les comento que se viene la Bienal de Arte Sacro en Buenos Aires y que puede participar todo aquel que pinte. (como todos los años) miles de artistas de cualquier lado del planeta (mandando su obra obviamente por avión) se anotan y logran que este evento sea muy especial.

Cada vez más artistas se suman a esta Bienal, serán premiados las mejores obras y el premio será una suma de dinero... (lean las bases)

Dejo los links, anótense y mucha suerte.

Bienal de Arte Sacro 2008

Bases y condiciones

Les puedo adelantar que tienen hasta septiembre para presentar la obra.

Lograr un buen retrato

2008-06-24T16:22:00.004-03:00

Bueno volviendo a este sitio, en este caso con algo que encontré en uno de mis libros de pintura.

Un buen retrato debe ofrecer un parecido aproximado con el modelo, y dicha semblanza viene determinada por la construcción matemática de la cabeza, la exageración de los rasgos que más caracterizan la fisonomía del retratado, la “pose” o actitud del modelo y los rasgos psicológicos que transmite el personaje.

Pero quién mejor que Jean Auguste Dominique Ingres para orientarnos. Este famoso retratista francés aconsejaba a sus discípulos para lograr un buen retrato:

v En todo lo que vemos hay una caricatura que es preciso captar. El pintor debe ser fisonomista, buscar la caricatura.

v Sólo se puede ser un buen artista si se penetra en el espíritu del modelo.

v Tomar el carácter individual de su modelo: de un hombre fuerte no hagan sólo su parecido: tomen bien el carácter hercúleo.

v Fíjense en la pose de la cabeza y del cuerpo; caractericen la persona que quieren pintar. El cuerpo no debe seguir el movimiento de la cabeza. Antes de empezar, estudien la natural fisonomía de su modelo; pónganlo luego en consecuencia, dándole la expresión conveniente.

v Antes de empezar, se ha de interrogar al modelo.

v No hay dos personas que se parezcan; den a cada uno su carácter individual, hasta en los menores detalles.

v El croquis es el arte de agarrar el carácter, la línea dominante, característica, de un objeto, su espíritu.

v Es necesario estudiar y observar las poses habituales en cada edad.

v En los movimientos hay siempre un perfil que importa más que el otro.

v Un dibujante debe tener los ojos en todo, colocarlo todo en un mismo tiempo y hasta el último momento armonizar y tenerlo todo justo.

v Se pinta como se dibuja.

v Ataquen lo negro furiosamente, pero desarrollen, desarrollen.

v No es por lo blanco que lo vemos todo antes, sino por las medias tintas y las fuertes sombras.

v Los detalles son unos habladores que es necesario meter en cintura.

v Observen bien los límites de las sombras, de la media tinta y de los claros. Eviten del exceso de reflejos que podrían romper la masa.

v Los retratos de mujer han de ser poco oscuros, lo más claros posibles.

v Se ha de difundir la salud en la forma: perfeccionar desde un principio, construir, buscar, juntar por las líneas, comparar las grandes distancias, los grandes trazos, armonizar.

v Ver el progreso del arte: Miguel Angel ante todo; luego Rafael, que debe toda su grandeza a Miguel Angel. Los dos llegaron a lo sublime del pensamiento, ¿y qué camino tomaron para llegar? El ser humildes, el de estar sometidos, el de copiarlo todo tontamente.

De todos modos, para obtener bueno resultados en el arte del retrato es imprescindible haber mantenido una práctica continuada en él.
Esto requiere horas y horas de estudio y experimentación. Pongan en práctica estos consejos por más que al principio los resultados no sean satisfactorios.

Al poco tiempo comprobarán que sus dibujos van mejorando progresivamente hasta acercarse cada vez más a los rasgos verdaderos del personaje a retratar.

Paciencia.

Es otra recomendación...

Cuánto sabes de arte

2007-10-30T05:02:00.001-03:00

Después de un largo tiempo de ausencia en este blog paso a dejarles unos links para que se diviertan un poco respondiendo varios tests que los ayudarán a refrescar la memoria o aprender.

Aquí van:

Suerte

Dibujo y flash

2007-07-11T15:32:00.000-03:00

Les recomiendo que pasen por este link y disfruten de un "dibujo que comienza desde adentro", cómo? con ese título me lo envió mi amigo Antona así que si quieren saber clic en el link.
Es un dibujante ruso, lo único que puedo decirles.

Más sobre Vincent Van Gogh

2007-06-27T09:51:00.002-03:00

Desde el blog del querido amigo y fotógrafo español Emilio Henández me enteré que ha ido a la exposición de Vincent en el museo Thyssen de Madrid. Emilio dice que para él ha sido una experiencia inolvidable, y doy fe que sí, porque hasta ahora no he conocido otra persona que admire con tanta pasión sus obras y su historia, si quieren saber con detalles acerca de su experiencia pasen por aquí.

Y en este video que les dejo encontrarán una recopilación de obras de Vincent para disfrutar.

Reportándome

2007-06-26T02:25:00.001-03:00

Tuve que cambiar nuevamente la plantilla porque la anterior no terminaba de cargar del todo.

Nos vemos en estos días por acá con nuevas cosas.

Toronto Graffiti Festival

2007-06-18T18:38:00.001-03:00

Para algunos es arte, para otros es una manera de ensuciar una ciudad.
Y ustedes, cómo lo catalogan al graffiti? Estamos hablando de los graffitis no sólo de palabras escritas por supuesto.
Aquí el festival que se hizo en Toronto en el 2006.

Estatuas vivientes

2007-05-22T18:29:00.000-03:00

Me fascina verlas en los parques o dónde se encuentren, descrubrí
éste grupo de Flickr que recolecta unas imágenes espectaculares, imperdibles, no dejen de visitarlo.

Arte con lápices

2007-02-02T19:19:00.000-04:00

Observemos lo que se puede hacer con lápices por ejemplo, estamos rodeados de material para crear y crear todo el tiempo, sólo hay que proponérselo y volar un poco.
Este fue un buen ejemplo o no?

Los genios también se confundían, claro

2007-01-13T20:50:00.000-04:00

Cuando vemos cuadros de pintores famosos, de grandes genios, disfrutamos de sus obras, pero nunca nos pusimos a pensar si alguna vez se han confundido mientras pintaban y si es que en algún momento cambiaron la idea de la obra. Aquí tenemos algunos ejemplos:

"Isabel de Portugal" (1548) Tiziano. Este artista iba pintando cuadros que dejaba apoyados contra las paredes de su estudio, pero de cara a la pared. Cada día daba vuelta a alguno de ellos y lo modifcaba. Maestro del retrato renacentista, era un gran "arrepentido" y gran ahorrador de lienzos. Las radiografías revelaron que debajo de éste retrato hay otra figura femenina que nada tiene que ver con la reina y que se parece al personaje de una escena mitológica.

Estos cambios de idea se denominan "PENTIMENTO" que en italiano significa arrepentimiento. El artista pinta, cambia de idea y empieza de nuevo sobre lo anterior.

"Felipe II con armadura", Felipe le encargó varios retratos, debajo de uno de ellos, Tiziano había empezado otro de su padre el emperador Carlos V pero lo abandonó, igualmente todo quedó en familia y no pasó a mayores.

Ya se realizaron estudios con Velázquez, El Greco, El Bosco, Sánchez Coello y Rafael. Y todavía quedan muchos más, aunque no todos son propensos al "pentimento".

Grandes artistas se arrepintieron en ese preciso momento y decidieron cambiar la idea de su obra, gracias a los estudios de radiografías hoy podemos ver lo que hay oculto en algunos de estos grandes cuadros.

Artistas sin manos

2006-12-24T10:18:00.000-04:00

Quería desearles Felices Fiestas haciendo honor a todos los pintores sin manos del mundo.
Que cada día nos deleitan con sus maravillosas obras, su fuerza espiritual y energía.

Cuando hay talento

2006-11-14T20:01:00.000-04:00

El talento, se considera como un potencial en la persona, ésta, dispone de características o aptitudes que puede llegar a desplegar o desarrollar con un ritmo mayor y que se pueden encontrar en su gran desempeño.
Talento es cuando una persona despliega esas aptitudes (como en estos cuadros por ejemplo) y logra hacernos sentir lo que quiso decir con su obra.

Estas pinturas no pertenecen a un pintor famoso, simplemente son de una chica bloggera española a la que le pedí que me muestre sus pinturas y me puso muy contenta porque me las envió sin dudarlo, le pedí permiso para subir tres cuadros que me gustaron mucho.
Lo que yo veo y que es lo que más me gusta, cuando un artista pinta con pasión, eso en este blog lo van a leer muy seguido. No soy crítica de arte ni nada por el estilo, sólo admiro la capacidad que tiene un artista para lograr transmitirme sensaciones. Y éste es el caso de Pilikina.
Una chica que se arriesga con las manchas, juega con los colores, sus trazos son seguros y me habla por medio de sus cuadros.

Muchas gracias Pilikina

Creés en la inspiración?

2006-10-31T01:49:00.000-04:00

Unos dicen que no existe, otros dicen que sin ella no puede hacerse nada.
Me prendo un cigarrillo, cierro los ojos y siento a mi corazón latir a ritmo acelerado. Suspiro y me encuentro dentro de una nube de ansiedad extrema. De golpe tengo una necesidad de plasmar en una hoja lo que tengo en mente.

Ese algo me lleva a hacerlo. Puedo estar en la calle, en el metro, en un bar o cocinando. Esa sensación que me está invadiendo sin pedir permiso, es para mí la inspiración y es tan grande que no abarca en mi cuerpo. Tengo que soltarla como sea.
Hace casi dos años que no sentía esto, y justamente llegó hace algunas semanas. Siento un amor por dentro, una manada de caballos galopando al ritmo de mis latidos. Es una fiebre que siento en mis manos, y al estar más melancólica obviamente es cuando más se apodera de mí. Estoy preparando algunas cosas para mostrar, paciencia.

Ilustraciones en birome

2006-10-16T03:27:00.000-03:00

Quién no dibujó alguna vez con birome? Por más que hayan sido garabatos, manchas, bocetos, etc. Alguna vez hemos plasmado nuestras líneas sueltas en algún papel. Y ahí quedaron.
Mientras hablábamos por teléfono, o charlábamos con alguien tomando un café, o en la escuela cuando la clase se tornaba demasiado aburrida. Para algunos es complicado dibujar en birome porque como no se puede borrar como el lápiz, se les hace más difícil. Pero hay otros que se arriesgan y juegan. Como por ejemplo ellos:

Dibujo 1

Rodrigo Petryszak
Estudiante de artes visuales.

Dibujo 2
Julio Colantoni
Retratista e ilustrador

Body Paint

2006-10-11T11:19:00.003-03:00

La historia empezó a mitad de los '70, la primera fue el dramático ensayo de la fotógrafa alemana Leni Riefenstahl sobre la vida de los Nuba- Sudán. En viajes a territorios aún aislados de la intervención occidental, Riefenstahl pudo registrar una cultura que tenía el cuerpo como protagonista, pintándolo y adornándolo con una creatividad y originalidad únicas. La tradición de aplicar colores y diseños sobre sus cuerpos no tenía que ver con rituales, como es habitual en la mayoría de las tribus, Riefenstahl descubrió que los Nuba se pintaban diariamente según su estado de ánimo.

El segundo trabajo de esa misma época, mucho antes que se hiciera público el arte en el cuerpo en 1991, fue el desarrollado por la artista Vera Lehndorff, junto al fotógrafo Holger Trülzsch. Lehndorff, por entonces famosa en el mundo de la moda como la modelo Veruschka, se fotografió contra una gran variedad de escenarios como muros y puertas, o paisajes abiertos, y también se disfrazó con diversos trajes que pintaba directamente sobre su piel.

Me acuerdo cuando 13 artistas argentinos pintaron a 17 bailarines provenientes de mundos tan distintos como el Teatro Colón, ateneo del ballet clásico, y el Teatro Maipo (music hall).

Fue en conjunto con el Taller Experimental Cuerpos Pintados de Chile. Y estas pinturas acá expuestas son obras de artistas chilenos.
Una curiosidad, te gustaría que un artista pintase tu cuerpo? Se te ocurrió alguna vez?

Fuente

Retrato al pastel

2006-09-30T01:20:00.000-03:00

Recomiendo un video en Taller Online que pertenece al Administrador de este sitio.

Ahí él mismo muestra paso a paso en un retrato la técnica al pastel.
Si quieren saber qué tipo de soporte usó, con qué colores trabajó, cómo va fundiendo los tonos y matices, les dejo el link donde al principio de la página acompañado de fotografías explica cada paso. Y luego más abajo en la misma página podrán disfrutar del video.

Otro misterio sobre la Monna Lisa

2006-09-27T14:54:00.001-03:00

Y siguen estudiando, y siguen apareciendo nuevos descubrimientos. Investigar todo acerca de Leonardo, sus mensajes, sus técnicas, sus secretos bien guardados. Un grupo de investigadores que usa una tecnología tridimensional para estudiar a la Mona Lisa dice que la mujer que posó para la obra maestra de Leonardo da Vinci en el siglo XVI estaba embarazada o había dado a luz recientemente.

Fue por una exploración con rayos láser que pudieron descrubrir el finísimo velo de gasa que Monna Lisa llevaba sobre su vestido.
"Esto era entonces algo típico en mujeres próximas a ser madres o recién paridas", dijo Michel Menu, director de investigación y Restauración de los Museos de Francia.
Menu dijo que varios historiadores de arte ya habían sugerido que la Gioconda estaba embarazada o había acabado de dar a luz.
"Ahora tenemos información muy precisa sobre el grosor de las capas, sabemos que la obra se hizo con capas muy finas de pintura. Eso es algo que no podíamos ver a simple vista".

Por su parte, el Consejo de Investigación Nacional de Canadá (NRC), responsable del estudio, ya ha dado a conocer sus primeros descubrimientos en una conferencia en Ottawa.

El NRC da además la posibilidad a todos los usuarios de examinar online el cuadro a través de distintas técnicas visuales, también en versión flash. Pasen y vean.

Digamos que hasta el día de hoy, los laboratorios siguen tratando de descubrir las famosas técnicas de Leonardo, dicen que quieren y necesitan entender cómo pudo lograr las sombras, el tan famoso efecto "sfumato" que paso a explicarles un poco sobre de qué estamos hablando.

La técnica de Da Vinci

Leonardo fue el inventor del "Sfumato", técnica que consiste en difuminar los contornos para dar sensación de atmósfera y aire, de lejanía perspéctica y, a la vez, de dulzura y suavidad. Con el sfumato gradual (más cuanto más lejos) se logra una gran sensación de realismo, los objetos se ven más borrosos cuanto mayor es la distancia entre ellos y el observador. El efecto perspéctico es total al pintar a Monna Lisa con un punto de vista muy alto. Leonardo, el gran genio del Renacimiento pintó a Lisa Gerardini, esposa de Francisco Giocondo pero nunca entregó el cuadro a su encargante, lo retuvo con él hasta su muerte y no dejó de trabajar en él, retocándolo continuamente. Según la historia, Leonardo invirtió diez mil horas en su elaboración.
Lo más curioso de este retrato es que la mujer no tiene pestañas ni cejas. Pero les paso a mostrar una lista de famosos enigmas que una vez encontré y que tenía guardada.

Según Rafael Sanzio, el cuadro tenía un fondo con columnas griegas, pero hoy el fondo es distinto. Era otra Gioconda la que vió Rafael?
Para Vasari, teórico del arte y contemporáneo de Leonardo, lo mejor del retrato eran las cejas y las pestañas pero hoy no existen. Había dos cuadros del mismo tema?
Dos informáticos estadounidenses aseguran que en realidad el rostro de la Gioconda es el de Leonardo, por comparación con un autorretrato (el que tenemos acá abajo). Eso explicaría por qué Leonardo lo tuvo siempre con él?

El dibujo más antiguo del mundo

2006-09-26T15:54:00.001-03:00

El dibujo más antiguo de una cara humana, en este caso sería un retrato, fue hecho con carbonato de calcio y utilizó las irregularidades de la pared para dar forma al rostro.

Este primer retrato en la historia tiene aproximadamente 27000 años de antigüedad, constituyendo entonces el dibujo más antiguo del mundo. Fue encontrado en una cueva, al sur de Francia, descubierto por un pensionista de la localidad de Vilhonneur.
Los arqueólogos ahora están muy interesados en la cueva Vilhonneur porque existen varios dibujos, incluyendo el de una mano, además de restos humanos y animales. Impresionante de verdad.

Fuente The Times

Para algunos sí, para otros no

2006-09-24T11:15:00.000-03:00

Apretá ahí, ahora escalá la imagen.
Ponele un fondo.
Pero vas a tener que ir con el mouse a la ventana que ya tenías abierta y seleccionar.
Primero dale guardar.
Ahora abrí otra, de la primera ventana copiá la imagen y pegala en la segunda.
Y ahora sí, dale textura.

Es verdad, al arte de pincel o espátula no es el mismo que el de mouse y teclado.
Pero entonces por qué se le dice arte visual? si el arte de pincel y espátula también es visual. Al igual que la fotografía...
La verdad, llega un momento que la cosa se complica. Algunos dicen que es arte, otros no.
He participado en foros de arte infinidades de veces charlando sobre éste tema. Pero nunca termina de cerrar. Para mí el arte hoy, abarca mucho más que antes.

Dibujando a lápiz

2006-09-22T09:54:00.001-03:00

Hace tiempo que en Canadá no tengo la suficiente inspiración, digámosle que llego super cansada de trabajar, que los fines de semana prefiero hacer otras cosas, etc, etc.

Quise publicar algunos de los dibujos que estuve haciendo hace unos meses atrás, cuando se me dio por dibujar de nuevo en lápiz, al menos para practicar las líneas, curvas, sombras, y estar en contacto con las formas.

Peeeero igualmente, dibujar es como andar en bicicleta, nunca más te olvidás.
Observando después de unos largos meses estos dibujos, puedo llegar a ver las distintas imperfecciones que por falta de práctica uno va teniendo, pero en sí, la base del dibujo nunca se pierde. Prometo seguir mostrando dibujos cuando tenga más tiempo e inspiraciónnnnn :)

Click en las imágenes para verlas mejor.

Una muestra en Londres desafía a los visitantes a tocar, oler y escuchar las obras

2006-09-16T23:41:00.000-03:00

La exposición se realiza en la Bankside Gallery de Londres, y podrá visitarse hasta el 8 de octubre. El evento propone que los visitantes dejen de lado la tendencia a experimentar el arte sólo a través de la vista y que incluyan también otros sentidos: el tacto, el olfato y el oído. Con las pinturas, esculturas e instalaciones que presenta, busca "romper con las jerarquías y las barreras tradicionales".

Entre las obras que se exhibirán, se encuentra un "eyeborg" (juego de palabras entre "eye" –ojo– y "cyborg") una especie de "ojo artificial". Fue creado por Neil Harbisson, un muchacho que nació con acromatopsia y por la cual ve sólo en blanco y negro, y con el artefacto quienes padecen esa enfermedad pueden "escuchar" los colores.

También se puede ver un "Arco iris Braille", creado por Jenny Cordy.

Según el sitio web de BlindArt, la muestra es "la culminación de una competición nacional, abierta a todos los artistas, para crear obras de arte que sean accesibles para todos, incluyendo a disminuidos visuales". La interpretación de tal consigna la deja librada a cada artista, y la única condición es que cada creador debe permitir que sus obras sean examinadas a través del tacto.

Galería de fotografías y videos

Arte en Photoshop

2006-09-02T13:58:00.000-03:00

Hace tiempo que somos amigos, amigos de blogs y de e-mails, pero amigos al fin. El es español, fotógrafo y pintor, es un artista muy bueno pero a él no le gusta que se lo diga. Hace unos pocos meses acaba de abrir su blog de arte en Photoshop, a él le he pedido tutoriales de este programa porque lo que hace de verdad me gusta. Tengo deseos de comenzar con esto y he visitado muchas páginas cargadas de manuales y lecciones, falta tiempo como para que empiece a publicar mis trabajos, pero ya lo haré en su momento. Mientras tanto les dejo algunos trabajos que ha hecho mi queridísimo amigo madrileño Antona. Mi amigo turrito.

Este es su blog de fotografía http://aantona.blogspot.com
Toda su galería aquí
Y estas son sus pinturas
Que lo disfruten, vale la pena.

"Libertad"

"Ya vale"

Van Gogh's blog

2006-08-12T13:53:00.000-03:00

Gracias a la visita que me hizo a Mis a Jour, estuve husmeando largo rato el interesante blog de Vincent Van Gogh , sí así como leen, el fotógrafo español Emilio Hernández ha creado ése espacio dedicado exclusivamente a todo lo que tenga que ver con su vida, sus obras artísticas como así también sus obras humanas. También podrán leer las famosas cartas de Vincent a su hermano Theo, están en inglés pero vale la pena visitar. Esta es una manera de estar más cerca a este gran artista holandés con un alma envidiablemente bondadosa.

Jugando con rostros

2006-08-06T02:27:00.001-03:00

Encontré en la web una especie de juego online, dónde podés dibujar un rostro partiendo desde diferentes patrones, tenés para elegir contornos de cara, pasando por ojos, boca, nariz, pelo, cejas, barba y hasta anteojos, hay una gran variedad de cada uno y permite darte el gusto de dibujar, digámoslo de esa manera.
Esá hecho en flash acercándote líneas y proporciones para ir conociendo el arte de dibujar.
Probalo te va a gustar.

Este es un ejemplo de lo que dibujé yo :)

Monna Lisa descending a Staircase

2006-08-02T17:01:00.001-03:00

Gracias a Oli de Anfrix conocí este video donde nos muestra algunas de las pinturas más famosas pertenecientes al arte universal en una sola animación, no pueden perdérselo, es impresionante lo que han hecho con cada obra, la conjunción entre una pintura y otra, sobran las palabras. Disfrútenlo.

Cómo apreciar un cuadro

2006-07-26T01:26:00.001-03:00

Retrato de Adele Bloch-Bauer - Gustav Klimt Este fue el óleo de Klimt que remplazó a Picasso como el cuadro más caro de la historia. (13 millones de dólares)

Para algunas personas es más difícil ver un cuadro que para otras. A veces el mensaje del cuadro no les queda definido, no sienten que les transmita algo, y eso es normal.
En este post podemos hablar de qué aspectos o características debemos percibir en un cuadro.
Lo que primero nos atrae obviamente son sus colores, luego sus formas, sean simétricas, asimétricas, curvas, rectas o planas. Por último lo vamos viendo más detenidamente, tratamos de descifrar de qué se trata y que nos representa.
La mayoría de la gente una vez que lo vio, decide si el cuadro le gustó o no, simple. Pero no termina ahí. Porque en realidad jamás vamos a saber si a la persona no le terminó de gustar el mensaje, los colores, o las formas.
Podemos decir en estos tres pasos que hay mucho más por mirar en un cuadro, como por ejemplo:

Cómo está hecha la composición, es decir, de qué manera se distribuyeron los elementos en la superficie.
Las diferentes técnicas que se pudieron utilizar, ya sea, acuarela, óleo, pastel, etc.
El estilo de la obra que puede ser, modernista, clásica, abstracta, impresionista, etc.

Entonces, con esta pequeña ayuda, podremos disfrutar mucho más al ver un cuadro, a sentirlo, recibir el mensaje que el autor nos dejó, porque no nos olvidemos que también hay una gran diferencia entre mirar y ver.

Una pincelada más.

La pintura erótica de Pablo Picasso

2006-07-23T22:41:00.001-03:00

Sexo. Éste es el tema. Comprado y suplicado.
Disfrutado y observado. Solitario y compartido. Tierno y pasional. Obsceno y humorístico. Exhibicionista e, incluso, contorsionista. Era un espíritu libre, un hombre sano con un gran apetito de vivir y disfrutar. No hay voluntad de provocación porque la mayoría de estos dibujos no los hacía para que fueran exhibidos. dibujos y carnets pertenecientes a colecciones privadas o incluso públicas. También hay numerosas escenas de burdeles en sus primeros dibujos y, sin ir más lejos, su cuadro más famoso y el que más influencia ha tenido en la historia del arte del siglo XX tiene como escenario un burdel situado en la calle de Aviñón de Barcelona.

El paso del cubismo; la etapa surrealista de -en la que los cuerpos y órganos sexuales se mezclan y confunden-, las versiones que realizó de los mitos clásicos; la vuelta al clasicismo con composiciones lineales y serenas, la sensualidad ondulante y alegre de Marie-Therèse -posiblemente la mujer con la que vivió de forma más intensa la reciprocidad del amor erótico-.

Picasso al desnudo

Otra recomendación:

Giuseppe Arcimboldo (Italia, 1530-1593)

Famoso pintor manierista italiano. Arcimboldo inventó un estilo de retrato en el que los rostros estaban compuestos por animales, flores, frutas y toda clase de objetos. Algunos son retratos satíricos de personajes de la Corte, pero no así las obras de "El Verano" y "La Primavera". Sus trabajos no llegaron a tener valor hasta que los surrelistas descubrieran el juego visual. Sus pinturas fueron también fuente de inspiración de Salvador Dalí.

Paseen por algunas de sus obras aquí

Repaso sobre el Óleo

2006-07-23T16:58:00.000-03:00

El óleo se conoce desde la Edad Media. Se aplicaba normalmente en combinación con la pintura al temple o al fresco. Esto se debía a la lentitud de su proceso de secado, que se aceleraba un tanto al combinarlo con otros materiales como el temple o la témpera. Normalmente servía para retocar los detalles de los grandes paneles realizados a toda velocidad sobre el yeso fresco. Los óleos por bien decirlo son aceites. El más extendido fue la linaza, aunque cada maestro y cada taller de pintura tenía su fórmula secreta que se transmitía oralmente de generación en generación. Los efectos que permite el óleo son, por una parte, realizar una composición de manera más lenta que al fresco, quefinaliza en el día. También permite trabajar sobre un conjunto inacabado, en lugar de por áreas concluidas en una sesión. La técnica posibilita los retoques, es decir, se podía variar la composición, el número de figuras, los colores, etc. El detalle y la precisión aumentan con este material. Y la profundidad de la escena aumenta mediante un efecto óptico, ya que el color permanece opaco bajo capas y capas de barnices traslúcidos que además aumentan la resistencia del cuadro al paso del tiempo. El óleo puede ser utilizado sobre diversos soportes, lo que apenas varía su aspecto, pero sí la preparación de dicho soporte. A partir del siglo XV, como se ha mencionado la base más usada para el óleo será la tabla de madera, especialmente desarrollada durante la pintura flamenca. El fresco no puede considerarse una base, ya que se aplica una vez seco el yeso para retocar los grandes fragmentos pintados a toda velocidad.